Verena Hoffmann-Meda arbeitet an der Schnittstelle von Gegenständlichkeit und Abstraktion als bewusste Methode, Wahrnehmung zu öffnen. Ihre Bilder gehen von einem Phänomen aus, das jeder kennt und doch schwer zu fassen ist: Erinnerungen sind selten „klar“, sondern überlagern sich mit nachträglichen Deutungen. Genau diesen Zustand übersetzt sie in Malerei. Der Farbverlauf bildet dabei den Bildraum, ein atmosphärisches Feld, in dem sich der Blick beruhigen kann, um dem Innern nachzuspüren.

Technisch basiert diese Wirkung auf einer bemerkenswert disziplinierten, schichtorientierten Arbeitsweise. Verena Hoffmann-Meda baut ihre Verläufe in bis zu zehn Acrylschichten auf. Dadurch entsteht jene leuchtende Tiefe, die man nur durch wiederholtes und kontrolliertes Auftragen, Trocknen und Überarbeiten erreicht. Besonders sichtbar wird diese Präzision an den Übergängen zu abgeklebten Partien: Dort erscheint eine klare, elegante Farbkante, wie eine feine Schnittlinie, die die weiche Atmosphäre des Verlaufs mit einer fast grafischen Bestimmtheit konfrontiert. Diese Spannung zwischen dem Sanften und dem Exakten ist Teil der Handschrift.

Für großformatige Leinwände nutzt Verena Hoffmann-Meda zudem ein eigenes Werkzeug: ein selbst gebautes Konstrukt aus mehreren fixierten Pinseln, das eine breitere Pinselfläche erzeugt. Ein überzeugender Verlauf im großen Maßstab würde sonst an sichtbaren Ansatzstellen und unruhigen Übergängen scheitern. Durch die vergrößerte, gleichmäßig geführte Pinselzone kann sie die Farbe in einer einzigen, ruhigen Bewegung „ziehen“, ohne dass die Fläche ihre Geschlossenheit verliert. Das Resultat ist eine organisch wirkende Qualität der Farbübergänge, wie Licht, das sich über eine Fläche legt.

Erst im Anschluss erlaubt sie dem Bild eine zweite, impulsivere Sprache. Mit schnellen, schwungvollen Bewegungen setzt Verena Hoffmann-Meda Spritzer, Linien und Spuren, mit Pinsel, Spachtel, teils auch mit einer Spritze. Richtung, Dichte und Form entstehen aus Geschwindigkeit und Körperbewegung, also aus einem Vorgang, der sich nicht vollständig planen lässt. Hier wird die Malerei körperlich, beinahe performativ. Auch Kohle tritt in diesen Schritt ein als trockenes, direktes Medium, das den fließenden Charakter der Verläufe bewusst bricht. Farblich baut Verena Hoffmann-Meda dabei Kontraste auf, die den Blick „aufwecken“: Die ruhige, kontemplative Zone des Verlaufs wird durch Reibung aktiviert.

Fotos: Tobi Schäfer

Charakteristisch ist zudem, wie sie das Atmosphärische mit konkreten Elementen koppelt. Verena Hoffmann-Meda testet die Wirkung der Verläufe im Zusammenspiel mit klar gesetzten Formen, abgeklebten Bereichen oder gegenständlich gemalten Objekten. Diese Elemente erscheinen als Erinnerungsreste: etwas, das plötzlich vor dem inneren Auge auftaucht. Genau darin liegt die Stärke für Kenner wie für Käufer: Das Bild gibt keine eindeutige Geschichte vor, aber es bietet eine präzise gebaute Bühne für Bedeutung.

Inspirationsquellen bleiben dabei bewusst nah am Leben: Reisen, Alltagssituationen, gelesene Sätze, Bücher, Fragmente, die sich festsetzen und nach einer Form verlangen. Verena Hoffmann-Medas Malerei wirkt wie das Angebot nach Sinnklärung: Die Technik erzeugt Tiefe, die Komposition hält Spannung und die Bildsprache lässt Raum. So entsteht Kunst, die zugleich zugänglich und anspruchsvoll ist, weil sie nicht auf bloße Wirkung zielt, sondern auf Erfahrung. Wer ein Werk von Verena Hoffmann-Meda betrachtet, sieht nicht nur Farbe: Man betritt einen Zustand zwischen Erinnern und Erfinden, zwischen Ruhe und Störung.